A Traveler’s Guide to Brazil – Film Review

How should one begin? I guess I will start on a positive note. It was interesting to experience a glimpse of Brazil from the 1980’s that covered the typical two-week touristic itinerary. Now, let us move to some constructive criticism.

First I will comment on the language. It seems that the narration text was originally in German (I gathered this from the German film credits) and translated into English, or more accurately Spanglish (English+Spanish). Or it may have been Portuguese translated into Port-English (Portuguese+English) with key Brazilian terms translated into Spanish. Or, the narrator may be a Brazilian reading a Spanglish script translated from German. At any rate, “samba”, an Afro-Brazilian term, is masculine (“o samba”), despite the “a” at the end of the word. The film tells us it is “la samba”, which in correct Spanish would be “el samba”. We are also told that “la rumba” is Brazilian even though it developed in Havana, Cuba (same hemisphere, different continent). “La Rumba” in Portuguese would be “a rumba”. “La lambada” (“a lambada” in Portuguese) is in fact a Brazilian music and dance that became popular in the 1980’s. It evolved from “Carimbó” music and has since been relegated to obscurity, replaced by a comeback of several of its predecessors, including “carimbó”.

Now let us have our history lesson. The narrator states that the Brazilian capital was moved from Rio de Janeiro to Brasília in 1985. Actually, the Brazilian Federal District officially became Brazil’s capital on April 22, 1965 (same century, different decade). The shape of the city is a bow and arrow, paying homage to Brazil’s indigenous populations. It has since been compared to the shape an airplane, with the government buildings at the cockpit (or tip of the arrow). The film tells us the original design was modeled on a “cross”.

And finally, some comments on the soundtrack. I am curious to know which entry-level vintage keyboard was used to generate the samba riff. It was most likely an electronic instrument that produces generic beeps of various timbres and calls each one by a different acoustic instrument name; with a bank of world rhythms to boot. Congratulations to the button-pressing engineer/would-be film score composer who programmed this sequence of sound events that I hesitate to call music.

Despite all these shortcomings, I still recommend that each person experience his or her own disillusionment with the film.

Hoje é o Dia do Músico

Por Luiz Carlos Rigo Uhlik

Hoje é o dia do músico!


Entretanto, reflita comigo:

Temos o que comemorar?

Vale a pena a leitura do texto:

Festa social, todo mundo com copo de whisky na mão. Dois sujeitos conversam:

- Olá, tudo bem?

- Sim, e você, como vai?

- Vou bem. Me disseram que você é músico?

- Sim.

- Nossa, e que instrumento você toca?


- E toca em quais orquestras?

- Na OSESP e na OSUSP.

- Que beleza, hein? Deve ser cansativo, não?

- É o trabalho, né?

- Realmente, admiro vocês músicos, grande profissão essa. Até queria que meu filho fizesse música, mas o garoto não tem jeito, insiste que quer ser médico ou advogado.

- Ah, hoje em dia é assim, a garotada não tem jeito. Mas, e você, o que faz da vida?

- Eu sou médico.

- Jura? Mas como assim?

- Trabalho no Hospital das Clínicas.

- Clínicas…, não conheço. E faz o que lá?

- Sou cardiologista.

- Mas você tem um emprego não tem?

- Então, trabalho no hospital.

- Nas horas vagas?

- Não. Esse é o meu emprego.

- Mas ganha pra isso?

- Ganho sim, dá pra viver.

- E você não estudou? Não quis saber de faculdade?

- Estudei, fiz faculdade de medicina.

- Ah, é? Não sabia que tinha. Que interessante. Sabe, eu fui médico amador quando era jovem, uma vez fiz até uma operação num rapaz que tinha sido atropelado. Usei uma flanela de carro pra estancar o sangue e uma faca pra abrir a barriga do rapaz e parar a hemorragia. Eu até gostava, mas não levava muito jeito pra coisa. E ai minha mãe até disse: “Larga disso, garoto, vai estudar música”.

- É…, queria ter tido uma mãe assim.

O engraçado é que o contrário não é ridículo.

Musicoterapia no Globo Repórter dia 20 de novembro

Por Raquel Siqueira
Coordenadora do curso de graduação em Musicoterapia do CBM-CEU

Rio de Janeiro, 16 de novembro de 2009 - No próximo dia 20 de novembro será exibido um Globo Repórter que abordará a questão de pessoas que vivem com dor crônica. A musicoterapia é uma das possibilidades de tratamento para esta situação. A equipe do Programa filmou trabalhos musicoterápicos do RJ e SP.Os alunos do curso de graduação em Musicoterapia do Conservatório Brasileiro de Música – Centro Universitário (CBM-CEU)também participaram da gravação. No CBM-CEU funcionam os cursos de graduação e pós-graduação em Musicoterapia do Rio de Janeiro.

Por favor, divulguem esta notícia para seus contatos. É importante que as pessoas saibam mais sobre o que a Musicoterapia pode proporcionar à saúde.

Ao final da reportagem pedimos para que acessem o site do programa e façam comentários.

High-Performance Green Building & Sustainability: Sweetwater Music

By Michael A. Lahue

With increasing amounts of scientific research regarding global warming and the resulting heightened public awareness of the role humans play in processes of environmental degradation, it has become apparent that effective solutions must involve ubiquitous and comprehensive transformation. We are an integral part of our natural environment and with an awakened understanding of our uniqueness as planetary stewards, we must envision and create our present and future in harmony with nature. Since the founding of the US Green Building Council (USGBC) in 1993 research has shown that buildings account for up to 48% of all greenhouse gas emissions. Buildings also consume significant amounts of water, raw materials and electricity and produce large quantities of waste. High-performance properties (green buildings) significantly reduce their impact on the environment and human health.

A commercial green building is considered to be one certified by the LEED (Leader in Energy and Environmental Design) Green Building Rating System of the USGBC. The LEED rating system is categorized as follows: New Construction (NC), Commercial Interiors (CI), Core and Shell (CS), Existing Buildings (EB), Homes (H) and Neighborhood Development (ND). Within each category buildings are rated at the Certified, Bronze, Silver, Gold and Platinum levels. Green buildings yield important benefits to owners, managers, businesses and employees compared to conventional (“brown”) construction including increased occupant health and well being, building value, worker productivity and return on investment. As the economic benefits of high performance buildings are more widely recognized, non-green buildings may likely become obsolete. Architecture 2030, NGO and partner of the American Institute of Architects, has proposed that by 2030 all new buildings should operate as carbon neutral.

The major concern often raised when considering the design of a high-performance building is cost. On first mention, green construction sometimes triggers a perceived higher cost, possibly because of the newness of the concept. Fortunately, through the application of integrated design, high-performance buildings can be designed on conventional budgets. Efficient equipment such as HVAC, coupled with an efficient building that requires less energy to run, allows for efficient and smaller systems, thus reducing overall cost.

Sweetwater, the third-largest music instrument and pro audio retailer in the world, was awarded LEED Platinum NC Certification on June 26, 2009 for the construction of their $35 million, 150,000 square foot corporate headquarters in Fort Wayne, IN, completed in January 2008. Sweetwater’s headquarters is the first commercial structure in northeast Indiana to receive LEED Platinum certification by the USGBC. The LEED award recognizes Sweetwater’s commitment to preserve natural resources and to provide a safer, healthier workplace. To accomplish these goals, Sweetwater employed a combination of state-of-the-art technology; rapid-renewal materials; and recycling, both during building construction and in day-to-day operations. These practices benefit not only Sweetwater and its employees but also the entire community.

Built on a 44-acre campus, Sweetwater’s facility houses offices, a retail store, a warehouse, recording studios, their state-of-the-art Performance Theatre, and the Sweetwater Academy of Music. The building also includes a restaurant, an arcade, and an employee fitness center.

LEED certification of Sweetwater was based on a number of environmentally friendly design and construction features that have positively impacted the project itself, the local community, and the region.

Sweetwater’s Fort Wayne Campus key green attributes include:

Access to daylight & views.

Energy efficient glass.

Light sensors & controls.

Low-emitting materials.

Outdoor air delivery monitoring.

Environmental tobacco smoke control.

Storage & collection of recyclables.

Building flushing.

Water use reduction.

Recycled content of materials.

Regional materials.

Rapidly renewable materials.

Certified wood.

Commissioning of mechanical systems.

Roof membrane.

Ice storage.

Construction waste management.

Sweetwater’s new headquarters has drawn praise from employees, the community, and the music industry. The complex has also been recognized by the U.S. Green Building Council for its environmentally friendly construction and operation. The buildings represent Sweetwater Founder and President Chuck Surack’s commitment to preserve natural resources and to provide a safer, healthier workplace.

Green building ultimately is a question of conscience and responsibility to prepare a healthy and sustainable future for generations to come. Humans have coexisted in nature for millennia and only flocked in large numbers to industrialized urban centers in the past 150 years. In that process we adopted lifestyles detached from natural processes. Today, through the green building revolution, we have an opportunity to reintegrate our urban culture with the natural environment and reconnect with our indigenous roots in a way that is congruent with modern culture and that guarantees our own future on the planet.


“A Firm Commitment to the Environment,” Sweetwater Website, http://www.sweetwater.com/feature/leed.
Yudelson, Jerry. Green Building A to Z: Understanding the Language of Green Building. Gabriola Island: New Society Publishers, 2007.
. Green Building Revolution, The. Washington: Island Press, 2008.

An informational video and a complete list of companies involved in the planning, design, and building of Sweetwater’s campus can be found at: www.sweetwater/feature/leed.

About the USGBC
The U.S. Green Building Council (USGBC) is a nonprofit organization whose vision is a sustainable-built environment within a generation. Its membership includes corporations, builders, universities, government agencies, and other nonprofit organizations. Since USGBC’s founding in 1993, the Council has grown to include more than 17,000 member companies and organizations; a comprehensive family of LEED green building rating systems; an expansive educational offering; the industry’s popular Greenbuild International Conference and Expo (www.greenbuildexpo.org); and a network of 78 local chapters, affiliates, and organizing groups. For more information, visit www.usgbc.org.

João Carlos Martins & Dave Brubeck – “The Meeting”

In an Extraordinary Collaboration Celebrated Friends to Perform at Avery Fisher Hall

This October get ready for some fun, as conductor João Carlos Martins brings the Bachiana Filharmônica from Brazil to Avery Fisher Hall at Lincoln Center. Joining Mr. Martins and his orchestra are jazz legend Dave Brubeck and his son, trombonist Chris Brubeck.

The “meeting” will be October 2nd, 2009 at 8:00 p.m. It includes a program of Brazilian works along with Dave Brubeck’s own compositions. The night begins with “Ouverture Opera Amazônia” by Mateus Araujo, followed by Villa-Lobos “Bachiana Brasileira No. 7.” Dave will be solo pianist in his “Theme for June” and his son Chris plays solo trombone of his own composition, “Concerto for Trombone and Orchestra.” Mr. Brubeck’s “Brandenburg Gate,” is also on the program, which will finish in a collaborative effort with Dave Brubeck and João Carlos Martins with Mr. Brubeck’s piece, “Thank You”.

Mr. Brubeck and Mr. Martins met several times throughout their lives, each time having musical experiences, which Mr. Martins explains as, “so strong, we cannot forget them.” The first time Mr. Brubeck and Mr. Martins saw each other perform was in a recital in Alaska, and they came to an understanding of how Bach and jazz have many things in common. Later, in 1979, Mr. Martins mentioned on NBC News that he would like to play the Bach Double Piano Concerto with Dave. Due to unfortunate events leading to the damage of both of his hands, Mr. Martins lost the ability to play the piano, and was never able to live up to his dream.

“The rapport between Joao Carlos and me was instant. And ever since that time we shared many a musical thought which is what the October 2nd concert is all about.” – Dave Brubeck

Although the Bach Concerto is not on the program at Avery Fisher Hall, Dave Brubeck and João Carlos will perform together when Mr. Brubeck plays Brandenburg Gate with Mr. Martins’ orchestra. Even with Mr. Martins’ limitations, he will join Mr. Brubeck at the piano for the last piece of the program – a dream come true.

Presented by The Bachiana Foundation

João Carlos Martins & Dave Brubeck at Avery Fisher Hall

Sobre o Artista – Michael Anthony

Nascido em Nova Jersey (EUA), Michael Anthony é cantor, pianista, violista, compositor e letrista. Ele se apaixonou pelo Brasil durante um Festival de Jazz na Suíça, época em que estudava na Universidade de Música e Artes Cênicas em Graz (Áustria). Mais tarde veio o encantamento pela bossa nova nas gravações de Astrud Gilberto assim como a veneração por Antonio Carlos Jobim. Acabou fisgado pela MPB, uma celebração da simplicidade, da sutileza e da pureza; a voz da alma, como ele mesmo define. Como músico, compositor e letrista resolveu render-se aos feitiços do Brasil. Todo esse caso de amor com a música brasileira acabou gerando seu primeiro álbum “Sonho”. Com canções complacentes, belos arranjos e voz sempre afinada, esse jóvem americano quer tocar no coração dos brasileiros e engrossar a nova geração da MPB.

About the Artist – Michael Anthony

Born in New Jersey, Michael Anthony is a singer, pianist, violist, composer and lyricist now living in Rio de Janeiro, Brazil. He fell in love with Brazil during the 1996 Montreux Jazz Festival (Switzerland), while he was studying at the University of Music and Dramatic Art in Graz (Austria). Later, came his enchantment with Bossa Nova in the recordings of Astrud Gilberto as well as veneration for the music of Antonio Carlos Jobim. He was seduced by Brazilian Popular Music (MPB), a celebration of simplicity, subtlety and purity; the voice of the soul, as he himself defines it. As a musician, composer and lyricist he rendered himself to the charms of Brazil. This whole love affair with Brazilian music resulted in his first album, “Sonho” (“Dream”). With placid songs, beautiful arrangements and a voice always in tune, this young American has touched the hearts of Brazilians becoming part of the new MPB generation.

Música! Um gênero de primeiríssima necessidade!

Por Luiz Carlos Rigo Uhlik

Você já parou para pensar em necessidades humanas?
Em primeiro lugar, as necessidades fisiológicas descritas por Abraham Maslow:
fome, sede, sono, sexo, excreção, abrigo…
Também não posso me esquecer das necessidades de subsistência expostas por
Manfred Max-Neef.
Entretanto, esqueça as necessidades básicas. Elas são comuns para todas as
Vou mencionar as necessidades humanas levando em consideração a Revelação.

É fácil observar que, na ordem das necessidades humanas, o desejo de
realização vem em primeiro lugar.
A necessidade de realizar feitos difíceis e de exercitar habilidades e
talentos é, sem dúvida, o maior objetivo de todo o ser humano.
Isso é maravilhoso!
Mas, vamos imaginar o que está acontecendo, agora, com você.
Você se sente realizado?
Você está bem consigo mesmo?

Quer uma dica?
Coloque música na sua vida.
Toque um instrumento musical.
É fácil, não tem contra indicação e você acaba rompendo as barreiras de todas
as necessidades humanas.
Você acha que estou brincando?
Então, vamos lá. Vou descrever as principais necessidades humanas, excetuando
as fisiológicas e as necessidades básicas.
Para ser feliz o ser humano necessita de…

- Realização, empreendimento: a necessidade de realizar feitos difíceis; de
exercitar habilidades ou talentos;

- Independência: a necessidade de aparecer, de ser visto pelos outros, de
revelar a sua própria identidade, virar notícia;

- Reconhecimento: a necessidade de ser aclamado, receber recompensas sociais,
ser notório; mostrar sua superioridade;

- Dominância: a necessidade de ter poder, exercer autoridade ou ter
influências sobre as pessoas;

- Afiliação: a necessidade de pertencer, de ser afiliado a algum tipo de
organização onde se sinta aceito e, ao mesmo tempo, possa contribuir para
alguma coisa;

- Nutrição: a necessidade de acalentar alguém ou alguma coisa ou causa,
ajudar no progresso e desenvolvimento de outros;

- Sexualidade: a necessidade de identificar-se sexualmente e de exercer
atração, de receber e prover satisfação sexual, de manter alternativas
sexuais sem necessariamente executá-las, de evitar condenação por apetites

- Novidade ou Inovação: a necessidade de mudanças e diversidade, de
experimentar o diferente, de realizar novas tarefas e aprender coisas novas,
de mudar de ambiente.

Se você for analisar a fundo, somente um tipo de conhecimento consegue
abarcar todas as necessidades descritas acima: a Música.

Tenho insistido e vou insistir muito mais.
Quero que você saiba que somente com a música é que você realmente pode se
Tenho certeza de que você já trilha o caminho da vocação.
Esqueça a questão da vocação.
Se no meio do percurso você perceber a sua vocação para a música, ótimo.
Entretanto, se a sua vocação é para a administração, para o esporte, para a
economia, nada, mas absolutamente nada vai substituir o desejo de realizar as
necessidades humanas.
E nenhuma profissão, no mundo, é tão abrangente quanto à música.

A música realiza, dá independência, reconhecimento, faz com que você domine
os ambientes, permite que você se sinta dentro do grupo; a música permite o
acalentar, a música faz com que você cresça, a música permite a mais completa
e profunda identidade com o sexo oposto.
Música, verdadeiramente, atrai as pessoas.
E com tudo o que temos disponível, com a tecnologia, com a comunicação, você,
através da música, está sempre a frente das oportunidades, do vislumbramento
da vida.

Portanto, nada, mas absolutamente nada, é tão superior e realiza tanto como a

Veja o texto na íntegra no “Acontece Curitiba” (3 de agosto de 2009).

O Ciclo Diatônico – Emile De Cosmo

Emile e Laura De Cosmo
Traduzido por Michael Anthony Lahue

Série Rítmica Politonal: O método que faz a diferença entre o instrumentista comum e o músico surpreendente


Emile De Cosmo me acolheu como aluno e me mostrou o maravilhoso caminho do descobrimento musical e da expressão artística. Este encontro mudou minha vida musical definitivamente abrindo horizontes de criatividade inimagináveis. Portanto é com muito carinho que ofereço esta versão do Ciclo Diatônico para que todos os músicos brasileiros possam aproveitar desta metodologia ímpar que faz a verdadeira diferença entre o instrumentista comum e o músico surpreendente.

Sobre os Autores

Emile De Cosmo é músico, professor e palestrante de oficinas de jazz há mais de 30 anos. Tocando instrumentos de sopro de madeira ele tem se apresentado em Nova Iorque com inúmeros grandes artistas na televisão, na rádio, em trilhas sonoras e também em clubes, concertos e shows.

Lecionou como auxiliar de improvisação de Jazz na New Jersey City University (Universidade Estadual da Cidade de Jersey – Estado de Nova Jersey – NJ), professor de música prática na New Jersey City University e na Fairleigh Dickinson University (NJ), e diretor de bandas de sopro, de marcha e de jazz no Fort Lee High School (Colégio da Cidade de Fort Lee – NJ). Juntamente com sua esposa foi colunista durante anos do Saxophone Journal (Jornal do Saxofone) e da revista Jazz Player (Revista do Jazzista).

Autor e editor da Polytonal Rhythm Series (A Série Rítmica Politonal), uma coleção de 19 livros que foi elogiada por Paquito D’Rivera, Jamey Abersold, Denis De Blasio, Slide Hampton, John Faddis, Clem De Rosa, Clark Terry, Bill Waltrous, Harry Manfredini (compositor da trilha sonora do filme Friday the 13thSexta-feira 13°), Pat La Barbara, Gerard Schwartz (regente de orquestra sinfônica), Bucky Pizzarelli, Eddy Bert, Dizzy Gillspie, Ray Copeland, Leon Russianoff e muitos outros.

Participou em shows e gravações de grandes artistas como Sarah Vaughn, Dizzy Gillespie, Dinah Washington, Joe Farrell, Vic Damone, Milt Hinton, Slide Hampton, Bucky Pizzarelli, Gregory Hines, Pepper Adams, Terry Gibbs, Sonny Stitt, Rour Tops e muitos outros.

Laura De Cosmo como professora e música profissional, trabalhou em Nova Iorque tocando flauta transversal, saxofone, clarinete e cantando. Em sua carreira tem experiência em big band, conjuntos musicais e orquestra sinfônicas.

Laura e seu marido Emile são integrantes do The Opposite Sax, conjunto de jazz em St. Petersburg, Flórida. São colunistas de jazz do jornal The Neighborhood News e co-autores dos livros The Woodshedding Sourcebook e The Path to Jazz Improvisation, ambos publicados pela editora Hal Leonard.


Como a palheta de cores na arte, existe um “espectro” análogo na música composto de doze tonalidades maiores, doze tonalidades menores harmônicas e os seus acordes correspondentes. O Ciclo Diatônico é uma ferramenta que vai capacitar o estudante à dominação deste espectro musical (uma perícia essencial para estudantes de música de todos os estilos musicais) de uma maneira simples e prazerosa.

Nossa experiência pessoal de ensino tem demonstrado que é difícil para um estudante se tornar fluente além das tonalidades de Lá maior e Mib menor, e a maioria dos métodos não apresentam as tonalidades menores até que todas as tonalidades maiores tem sido aprendidas. A proposta do Ciclo Diatônico é apresentar cada tonalidade numa ordem específica que produz resultados imediatos. Cada página focaliza num centro tonal (tonalidade), cada um do qual é apresentado acrescentando apenas um sustenido ou bemol de cada vez. As tonalidades do menor relativo são apresentadas ao mesmo tempo ao lado de cada nova tonalidade maior. Este método não apenas economiza tempo, mas também alivia o cansaço de praticar escalas e arpejos do mesmo jeito, repetidamente.

O formato usado no Ciclo Diatônico funciona da seguinte forma: a primeira tonalidade apresentada é Dó maior, que não contém sustenidos nem bemóis. A segunda tonalidade é a relativa menor, Lá menor, que revela um novo sustenido: Sol#. A terceira tonalidade é Sol maior, que contem um sustenido: Fá#. A próxima é a sua relativa menor, Mi menor, que adiciona um acidental: Ré#. A tonalidade subseqüente é Fá maior que apresenta um bemol: Sib. Sua relativa menor, Ré menor, apresenta mais um acidente: Dó#. Por causa da ordem em que as tonalidades são apresentadas aqui, o estudante tem conhecimento dos doze tons cromáticos depois de ter tocado seis tonalidades relativamente fáceis.

Os exercícios melódicos em cada página permanecem iguais pelo livro inteiro; porém a harmonia e os acordes são trocados toda vez que o centro tonal muda. Uma série de vinte e dois ritmos é aplicada em cada exercício aumentando a fluência do estudante enquanto toca em cada novo centro tonal – uma habilidade essencial se o estudante estiver se apresentando, compondo ou improvisando – e também faz que a execução do exercício seja mais interessante.

As progressões de acordes no meio de cada página são analisadas com números romanos que indicam a qualidade do acorde (maior ou menor), sua posição fundamental e o grau em cada centro tonal. Cada acorde é demarcado com cifras também: por exemplo, na tonalidade de Dó maior, o I7M é denotado também como C7M, indicando que é um acorde com fundamento no primeiro grau da escala na tonalidade de Dó maior.

Depois de praticar todo este conteúdo, o estudante terá dominado as doze tonalidades maiores e menores harmônicas com êxito, aumentando a sua fluência como instrumentista. Estudantes da música popular e também da musica erudita se beneficiarão do Ciclo Diatônico porque ele estimula a tocar melodicamente e ritmicamente em todas as tonalidades.

Laura e Emile De Cosmo


O antigo ditado de que música é uma linguagem é um tanto simplista. A música é uma linguagem complexa e composta por vinte e quatro dialetos, variações da língua estandardizada. Por exemplo, é necessário que falantes nativos da língua portuguesa sejam familiarizados com os vários dialetos para que possam reconhecer e compreender as variações totalmente e com eficiência.

Da mesma forma, um músico deve ser fluente na língua musical e em todas as tonalidades dialéticas. Os dialetos musicais consistem em doze centros tonais (tonalidades) diatônicos maiores e doze centros tonais (tonalidades) diatônicos menores. Um músico deve reconhecer uma cifra imediatamente como um “dialeto” (centro tonal) e ser capaz de “falar” (tocar) fluentemente naquele dialeto.

A Gravidade Natural da Música e o Ciclo de Quintas

Em todos os estilos musicais, existe um impulso harmônico básico: a tendência do tom, acorde, escala ou modo de se deslocar ou cair cadencialmente para um tom, acorde, escala ou modo cuja fundamental é uma quinta por baixo. É esta progressão cíclica de notas, tons, ou acordes que é representada no “ciclo de quintas”.

A principal progressão da música, o ciclo de quintas, também é a mais decisiva para o músico ouvir, tocar e utilizar na prática. Embora seja usado freqüentemente como meio de identificar tonalidades, a função principal do ciclo de quintas é de explicar os relacionamentos entre acordes e o movimento natural entre eles. Mais importante ainda, o ciclo de quintas é a chave para entender a progressão cadencial mais comum da música: a do acorde dominante com sétima (o acorde construído sobre o quinto grau da escala maior e menor) se movendo para o acorde tônico (o acorde construído sobre o primeiro grau da escala maior e menor), que em todas as tonalidades é Dó7, Fá7, Sib7, Mib7, Láb7, Réb7, Fá#7, Si7, Mi7, Lá7, Ré7, Sol7.

Dentro do ciclo de quintas ocorrem mais vinte e quatro ciclos – girando na mesma direção em quintas – chamados de “ciclos diatônicos”. Este termo se refere à tonalidade ou ao centro tonal dialético, maior ou menor, a qual cada ciclo pertence, que são dialetos da música que estejam circulando na mesma direção das quintas. O ciclo de quintas, que inclui todos os ciclos diatônicos constitui então, uma linguagem musical.

Progressão do Ciclo Diatônico

Normalmente, seguindo o ciclo de quintas, a próxima nota depois de Fá seria Sib. Porém, no caso do ciclo diatônico em Dó maior, para manter o centro tonal, o Fá se movimenta no ciclo para um Si natural, que fica um trítono do Fá. Este desvio comum do ciclo de quintas para manter o centro tonal diatônico, vale para todas as tonalidades maiores e menores.

Vale notar aqui que embora trítonos fossem geralmente evitados na música tradicional ocidental, o ímpeto produzido pelo forte movimento harmônico do ciclo de quintas foi considerado poderoso suficiente para justificar seu uso entre o quarto e o sétimo grau da escala sendo utilizado.

Movimento das Notas Fundamentais dos Doze Ciclos em Todas as Tonalidades Maiores

1. Tonalidade de Dó maior: Dó, Fá, Si, Mi, Lá, Ré, Sol
2. Tonalidade de Fá maior: F, Sib, Mi, Lá, Ré, Sol, Dó
3. Tonalidade de Sib maior: Sib, Mib, Lá Ré, Sol, Dó, Fá
4. Tonalidade de Mib maior: Mib, Láb, Ré, Sol, Dó, Fá, Sib
5. Tonalidade de Láb maior: Láb, Réb, Sol, Dó, Fá, Sib, Mib
6. Tonalidade de Réb maior: Réb, Solb, Dó, Fá, Sib, Mib, Láb
7. Tonalidade de Fá# maior: Fá#, Si, Mi#, Lá#, Ré#, Sol#, Dó#
8. Tonalidade de Si maior: Si, Mi, Lá#, Ré#, Sol#, Dó#, Fá#
9. Tonalidade de Mi maior: Mi, Lá, RéI, Sol#, Dó#, Fá#, Si
10. Tonalidade de Lá maior: Lá, Ré, Sol#, Dó#, Fá#, Si, Mi
11. Tonalidade de Ré maior: Ré, Sol, Dó#, Fá#, Si, Mi, Lá
12. Tonalidade de Sol maior: Sol, Dó, Fá#, Si, Mi, Lá, Ré

Movimento das Notas Fundamentais dos Doze Ciclos em Todas as Tonalidades Menores

1. Tonalidade de Dó menor: Dó, Fá, Si, Mib, Láb, Ré, Sol
2. Tonalidade de Fá menor: F, Sib, Mi, Láb, Réb, Sol, Dó
3. Tonalidade de Sib menor: Sib, Mib, Lá Réb, Solb, Dó, Fá
4. Tonalidade de Mib menor: Mib, Láb, Ré, Solb, Dób, Fá, Sib
5. Tonalidade de Sol# menor: SolI, Dó#, Fáx, Si, Mi, Lá#, Ré#
6. Tonalidade de Dó# menor: Dó#, Fá#, Si#, Mi, Lá, Ré#, Sol#
7. Tonalidade de Fá# menor: Fá#, Si, Mi#, Lá, Ré, Sol#, Dó#
8. Tonalidade de Si menor: Si, Mi, Lá#, Ré, Sol, Dó#, Fá#
9. Tonalidade de Mi menor: Mi, Lá, Ré#, Sol, Dó, Fá#, Si
10. Tonalidade de Lá menor: Lá, Ré, Sol#, Dó, Fá, Si, Mi
11. Tonalidade de Ré menor: Ré, Sol, Dó#, Fá, Sib, Mi, Lá
12. Tonalidade de Sol menor: Sol, Dó, Fá#, Sib, Mib, Lá, Ré

A Apresentação dos Sustenidos e Bemóis: POOK

No percurso do ciclo diatônico, sustenidos e bemóis são apresentados neste livro um de cada vez na Ordem Politonal de Tonalidades (Polytonal Order of Keys, ou POOK) especificado abaixo:

1. Dó maior
2. Lá menor (+ Si#)
3. Sol maior
4. Mi menor (+ Ré#)
5. Fá maior
6. Ré menor (+ Dó#)
7. Ré maior
8. Si menor (+ Lá#)
9. Sib maior
10. Sol menor (+ Fá#)
11. Lá maior
12. Fá# menor (+ Mi#)
13. Mib maior
14. Dó menor (+ Si)
15. Mi maior
16. Dó# menor (+ Si)
17. Láb maior
18. Fá menor (+ Mi)
19. Si maior
20. SolI menor (+ Fáx)
21. Réb maior
22. Sib menor (+ Lá)
23. Fá# maior
24. Ré# menor (+ Dóx)
25. Solb maior
26. Mib menor (+ Ré)

Como foi demonstrado, o aluno deve seguir a ordem POOK enquanto pratica este estudo. Depois que a primeira tonalidade maior for aplicada o aluno deve seguir imediatamente para a tonalidade relativa menor harmônica, (a mesma armadura de clave é utilizada para a tonalidade relativa menor harmônica, sendo que o sétimo grau sobe um meio tom). O estudo deve ser praticado nas vinte e seis tonalidades na ordem indicada.

Influência do Ciclo Diatônico

A progressão do ciclo diatônico (um espiral descendente de quintas) em todas as tonalidades maiores consiste em:

• o acorde I7M deslocando para o acorde IV7M
• o acorde IV7M deslocando para o acorde VIIø7
• o acorde VIIø7 deslocando para o acorde IIIm7
• o acorde IIIm7 deslocando para o acorde VIm7
• o acorde VIm7 deslocando para o acorde II7m
• o acorde IIm7 deslocando para o acorde V7
• o acorde V7 retornando para o acorde I7M

A progressão do ciclo diatônico (um espiral descendente de quintas) em todas as tonalidades menores consiste em:

• o acorde Im7 deslocando para o acorde IVm7
• o acorde IVm7 deslocando para o acorde VIIo7
• o acorde VIIo7 deslocando para o acorde III7M
• o acorde III7M deslocando para o acorde VI7M
• o acorde VI7M deslocando para o acorde IIø7
• o acorde IIø7 deslocando para o acorde V7
• o acorde V7 retornando para o acorde Im7

Deve ser entendido que os acordes e modos diatônicos em todas as tonalidades maiores e menores são sempre da mesma espécie ou qualidade.

Emprego do Ciclo Diatônico

Todos os estilos de música, sendo em tonalidades maiores ou menores – incluindo a música popular – empregam este fluxo diatônico de troca de acordes. Compositores e improvisadores proporcionam variedade e interesse à sua música mudando de um centro tonal para outro, assim criando muitas progressões de acordes diferentes. Na mudança para outros centros tonais, o fluxo do ciclo diatônico é mantido dentro de cada centro tonal. Sendo assim, a prática deste estudo proporciona os seguintes objetivos:

1. Decorar o som ou gravidade natural do ciclo diatônico para cada centro tonal.
2. Reagir e reproduzir sons ouvidos.
3. Tocar escalas, modos e acordes nas suas progressões naturais.
4. Respostas “ouvido/instrumento” mais rápidas, quando lendo ou improvisando.
5. Aprender todas as tonalidades ou centros tonais, maiores e menores, com a mesma proficiência.

Centros Tonais Dialéticos ou Tonalidades Assinaladas

A armadura de clave é apenas um indicador parcial dos centros tonais ou tonalidades dialéticas contidas numa determinada peça musical. Improvisadores principiantes e muitos músicos semi-profissionais improvisam na tonalidade da armadura de clave e dependem do ouvido para escutar os acordes não-diatônicos e mudanças tonais – das quais muitos destes músicos nem percebem. De fato, acordes – além dos acordes diatônicos – da tonalidade sendo tocada, assinalam mudanças de centros tonais ou dialetos que possam ser utilizados para improvisar.

Canções populares ou qualquer composição musical raramente permanecem apenas no centro tonal indicado pela armadura de clave, mas pode ser que mudem de centro tonal várias vezes durante uma determinada peça musical.

O uso mais comum de mudança de centro tonal se acha na seção B, ou ponte, de muitas músicas seguindo a estrutura AABA – quatro seções de oito compassos, com um total de 32 compassos de comprimento.

1. A seção A (idéia principal), que contém oito compassos.
2. A repetição da seção A.
3. A seção B, ou ponte, (em contraste com a seção A), que contém oito compassos que muitas vezes é composto de duas frases de quatro compassos; a última frase geralmente prepara para o retorno da seção A.
4. A repetição da seção A.

A música “I Got Rhythm” (“Eu tenho ritmo”), uma canção composta na forma musical AABA, passa por vários centros tonais durante a seção da ponte usando a progressão de acordes do ciclo de quintas.

Muitos músicos sabem que o refrão de uma canção e o “desengate” ou ponte são freqüentemente compostos em centros tonais diferentes, mesmo que a armadura de clave não indique tais mudanças. Muitos improvisadores, porem, não são conscientes de que os centros tonais mudam dentro da estrutura tradicional AABA.

Qualquer acorde com sétima que é diferente dos acordes diatônicos da tonalidade geralmente indica uma mudança de centro tonal dentro da progressão da canção e exige uma mudança para um novo centro tonal. Aqueles acordes funcionais que, aproximadamente 75% do tempo, assinalam mudanças para um centro tonal não relacionado com o da armadura de clave são: o maior com sétima, o menor com sétima, e o dominante com sétima que esteja fora da tonalidade da música sendo improvisada.

Tipos de acordes de tonalidades não relacionadas que assinalam mudanças de centro tonal são: o acorde tônico (I7M), o menor com sétima (IIm7), e o dominante com sétima (V7). Nas tonalidades menores, o acorde do segundo grau da escala é IIø7.

O próximo acorde que é comum na corrente de acordes funcionais é o subdominante: IV7M. Nas tonalidades menores é IVm7.

O acorde superdominante, VIm7, é o próximo acorde mais comum, seguido pelo mediante, IIIm7, e o subtônica, VII ø7. Estes três acordes geralmente fazem parte de uma progressão de mudanças tonais mais comprida.

Depois de praticar este estudo do ciclo diatônico com todos os seus centros tonais dialéticos, o aluno deve decorar todos os centros tonais com seus acordes e modos correspondentes. Quando mudanças de acordes aparecem na música, os novos centros tonais serão reconhecidos facilmente, e improvisação se tornará mais fácil.

Quando uma peça de música é escrita inteiramente dentro de um centro tonal indicado pela armadura de clave, improvisação é mais fácil; mas quando uma mudança interna de centro tonal ocorre, as exigências de improvisação se tornam mais complexas.

A abordagem do centro tonal no estudo de improvisação estimula fluência no espectro inteiro da linguagem e dos dialetos da música, e assim desenvolvendo corretamente o estilo do indivíduo.

Músicas Populares dos Cancioneiros Brasileiro e Norte-Americano que Utilizam as Progressões de Acordes Diatônicos do Ciclo de Quintas, ou Inteiras ou Parciais, em Vários Centros Tonais

Segue uma lista de músicas populares nacionais e internacionais que contém o ciclo diatônico, completamente ou em parte. Embora seja importante aprender o ciclo diatônico em todas as tonalidades ou dialetos, é indispensável que o compositor ou improvisador principiante de hoje seja familiarizado com o repertório da música popular que utiliza o ciclo diatônico. Quanto mais canções o aluno aprende, analisa e decora, mais fácil será a improvisação sobre a progressão de acordes diatônicos.

A banda – Chico Buarque
A felicidade – Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes
Ai, que saudade da Amélia – Ataulfo Alves e Mário Lago
All of me – S.Simons e G.Marks
Along came Betty – Benny Golson
All the things you are – Oscar Hammerstein II e Jerome Kern
Ana Luiza – Antonio Carlos Jobim
Anthropology – Charlie Parker e Dizzy Gillespie
As praias desertas – Antonio Carlos Jobim
Autumn leaves – Johnny Mercer e Joseph Kosma
Baubles, bangles and beads – Forest e Wright
Berimbau – Baden Powell e Vinicius de Moraes
Blue moon – Richard Rodgers e Lorenz Hart
Bluesette – Jean “Toots” Tielmans e Norman Gimbel
Bolinha de sabão – Orlando Divo e Adilson Azevedo
Boplicity – Miles Davis e Gil Evans
But not for me – George e Ira Gershwin
Caminhos cruzados – Antonio Carlos Jobim e Newton Mendonça
Carinhoso – Pixinguinha
Chasin’ the bird – Charlie Parker
Chega de saudade (No more blues) – Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes (Jon Hendricks e Jessie Cavanaugh)
Cherokee – Ray Noble
Chovendo na roseira (Doublé rainbow) – Antonio Carlos Jobim (Gene Lees)
Confirmation – Charlie Parker
Conversa de Botequim – Vadico e Noel Rosa
Corcovado (Quiet nights of quiet stars) – Antonio Carlos Jobim (Gene Lees)
Correnteza – Antonio Carlos Jobim e Luiz Bonfá
Countdown – John Coltrane
Cute – Neil Hefti
Daahoud – Clifford Brown
Del Sasser – Sam Jones
Dewey Square – Charlie Parker
Donna Lee – Miles Davis
É preciso dizer adeus – Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes
Espelho das águas – Antonio Carlos Jobim
Eu sei que vou te amar – Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes
Fotografia (Photograph) – Antonio Carlos Jobim (Ray Gilbert)
Flor-de-lis – Djavan
Fly me to the moon (In other words) – Bart Howard
Foi um rio que passou na minha vida – Paulinho da Viola
Four brothers – Jimmy Guiffre
Four – Miles Davis
Garota de Ipanema (Girl from Ipanema) – Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes (Norman Gimbel)
Get happy – Ted Koehler e Harold Arlen
Giant steps – John Coltrane
Good bait – Tad Dameron
Groovin’ high – Dizzy Gillespie
How high the moon – Morgan e Lewis
I got rhythm – George e Ira Gershwin
I love you – Cole Porter
I remember Clifford – Benny Golson
I’ll remember April – Raye e DePaul
In a mellow tone – Duke Ellington
Inútil paisagem (Useless landscape) – Antonio Carlos Jobim e Aloysio de Oliveira (Ray Gilbert)
Jordu – Duke Jordan
Joy spring – Clifford Brown
Just in time – Betty Comden, Adolph Green e Jule Styne
Kim – Charlie Parker
Ko-Ko – Charlie Parker
Lady bird – Tad Dameron
Lamento no morro – Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes
Little Willie leaps – Miles Davis
Loads of love – Richard Rodgers
Lover man – Davis e Ramirez
Lover – Richard Rodgers
Luiza – Antonio Carlos Jobim
Manhã de carnaval (A day in the life of a fool) – Luiz Bonfá e Antônio Maria (Carl Sigmand)
Meditação (Meditation) – Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça (Norman Gimbel)
Misty – Errol Garner
O barquinho – Roberto Menescal e Ronaldo Bôscoli
O bêbado e a equilibrista – João Bosco e Aldir Blanc
On Green Dolphin Street – Bronislav Kaper
Ornithology – Charlie Parker
• Out of nowhere – Green
Parisian thoroughfare – Bud Powell
Round midnight – Thelonious Monk
Sá Marina – Antonio Adolfo e Tibério Gaspar
Saint Thomas – Sonny Rollins
Samba do avião (Song of the jet) – Antonio Carlos Jobim (Gene Lees)
Satin doll – Duke Ellington
Scrapple from the Apple – Charlie Parker
Se acaso você chegasse – Lupicínio Rodrigues e Felisberto Martins
Sem você – Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes
Sister Sadie – Horace Silver
Skylark – Carmichael e Johnny Mercer
Só tinha de ser com você – Antonio Carlos Jobim e Aloysio de Oliveira
Soon – George Gershwin
Sophisticated lady – Duke Ellington
Stella by starlight – Victor Young
Stranger in paradise – Robert Wright e George Forest
Sweet Georgia Brown – Bernie e Pinkard
Tarde em Itapuã – Toquinho e Vinicius de Moraes
The shadow of your smile – Paul Francis Webster e Johnny Mandel
The song is you – Jerome Kern e Oscar Hammerstein
Tune up – Miles Davis
Two kites – Antonio Carlos Jobim
Valsa de uma cidade – Ismael Neto e Antônio Maria
Vivo sonhando (Dreamer) – Antonio Carlos Jobim (Gene Lees)
Watch what happens – Michel LeGrand, Ceora e Lee Morgan
Yardbird suíte – Charlie Parker

Como pode ser visto pelo tamanho desta lista, o músico popular pode adquirir uma abundância de linguagem e estilo enquanto simplesmente aprende melodias. Estas músicas, como informação melódica armazenada no ouvido da mente, se tornam parte do vocabulário a ser incorporado – ou em células ou em trechos maiores – enquanto improvisando. Para cada uma das centenas, ou melhor, milhares de músicas que o músico popular astuto decora, ele tem tantas maneiras de incorporá-las por completo ou em partes sobre progressões de acordes sem fim. Este processo, com tempo, ocorre automaticamente.

Portanto, o musico principiante deve começar a decorar tantas músicas populares quanto possível para expandir sua fluência na improvisação e para adquirir um vocabulário e uma linguagem popular – ambos dos quais devem ser um processo contínuo. Depois de decorar algumas das músicas populares listadas acima, o aluno deve estudar as canções em tantas tonalidades quanto possível para aumentar seu vocabulário da linguagem popular ainda mais.

A mente deve ser desenvolvida para que possa compreender totalmente o que o ouvido escuta. Estudando o ciclo diatônico, ao lado do cancioneiro popular, desenvolverá esta habilidade da mente de enviar para o corpo aquilo que os ouvidos escutam, assim fazendo que o instrumento musical seja uma extensão do corpo do músico – conectando-o diretamente com a mente.

Desfrute do ciclo diatônico, e continue POOKando.

Como Usar Este Livro

Este livro é organizado para ser praticado como se lê um romance ou um livro didático. Estude cada página e anote aonde você chegou. Na próxima sessão de estudo, continue de onde parou até que o livro esteja completo. Este livro pode ser praticado novamente muitas vezes, assim trazendo resultados que levariam anos de experiência para alcançar. Dependendo das necessidades do aluno, professores podem dar lições de várias seções do livro conforme a situação.

Variação Rítmica

Este livro inclui uma tabela de ritmos. Cada ritmo é uma variação que sugere possibilidades diferentes no fluxo rítmico da improvisação e quebra a monotonia de tocar exercícios comuns. Praticando exercícios que são tanto melódicos como rítmicos, refinará a técnica, assim aperfeiçoando a leitura e melhorando o desempenho musical imediatamente.

Usando o Metrônomo

Para manter a exatidão rítmica e desenvolver um senso natural de métrica, o aluno deve utilizar o metrônomo quando praticar os estudos.

Acidentes vs. Armaduras de Clave

Acidentes são utilizados neste livro em vez de armaduras de clave com o propósito de facilitar a leitura e ajudar o aluno a decorar as armaduras de clave.

O Objetivo de Praticar os Exercícios

Alunos devem praticar os exercícios na extensão completa dos seus instrumentos com a meta de desenvolver a habilidade de executar os estudos em qualquer registro do instrumento. O aluno também deve aprender a reconhecer as mudanças cordais pelos sons dos vinte e quatro dialetos ou centros tonais. Realizando estes objetivos resultará num aprimoramento de reconhecimento de tom, habilidade de leitura, e fluência na improvisação.

Sonho Letra: Dindi – Antonio Carlos Jobim/Aloysio de Oliveira

Céu, tão grande é o céu
E bandos de nuvens
que passam ligeiras
Pra onde elas vão?
Ah, eu não sei, não sei.

E o vento que fala nas folhas
Contando as histórias
que são de ninguém.
Mas que são minhas
e de você também.

Ah, Dindi,
Se soubesses do bem que eu te quero,
O mundo seria, Dindi, tudo, Dindi,
Lindo, lindo

Ah, Dindi
Se um dia você for embora
me leva contigo, Dindi, fica, Dindi
Olha, fica

E as águas deste rio
aonde vão eu não sei
A minha vida inteira
esperei, esperei

Por você, Dindi
Que é a coisa mas linda que existe
Você não existe, Dindi
Olha, Dindi,
Olha, adivinha
Olha, deixa…
Que eu te adore Dindi…
Ô Dindi…